Siempre subrayo que trabajo mucho manualmente, intentando conseguir a mano la forma que he diseñado en el ordenador. Tengo mi propio taller de modelismo donde creo prototipos en poliestireno, material sustituto o creo en material objetivo, por ejemplo, madera. Para mí, ésta es la base que enriquece el diseño. Aquí no he inventado nada nuevo, porque en el proceso de diseño siempre ocurría que algo que se creó en la fase conceptual en una hoja de papel luego se probaba en un modelo físico. Lo que ocurre es que esto es poco frecuente en el trabajo de un diseñador de hoy en día. La mayoría de las veces, todo el proceso se transfiere a los productores que tienen el espacio adecuado y todas las máquinas y herramientas necesarias. Sin duda, hay mucha economía en ello, pero para mí, como diseñador, lamentablemente también es una pérdida, porque algunas cosas no se pueden predecir ni notar sin esta etapa. Además del espacio del taller, el llamado espacio sucio, también tengo un espacio limpio separado donde trabajo en un programa de diseño específico. Aunque, en realidad, trabajar con el ordenador puede tener lugar en cualquier sitio, incluso en una caravana, como me ocurrió hace unos días.

Creo que la fase conceptual es de gran importancia, porque requiere mucha concentración, creatividad e innovación, aunque sepas de antemano que ciertas cosas no se pueden saltar. Es un poco como intentar luchar con el techo de tu propia cabeza. Es exigente, pero también muy satisfactorio. La etapa de taller implica un esfuerzo físico y requiere mucho más tiempo que diseñar algo en un programa 3D. Se necesita experiencia, pero también mucha voluntad para que el proceso merezca la pena. Después de un día pasado con las máquinas, me siento muy cansado, pero también siento que ese día ha pasado algo importante y me da verdadero placer.

Ciertamente disfruto de la oportunidad de trabajar con madera maciza y otras materias primas preciosas. Es una marca con una visión muy coherente, tiene una honestidad, una conformidad con su propio DNA. Esto se aplica tanto a la elección de las materias primas como a la parte artesanal: la escala de producción, que se basa en localidad. Para mí es una visión muy romántica. Conociendo las cualidades de Tamo, podía proponer con confianza una colaboración con Kejim.

Esto siempre refuerza la marca e influye en otros productos. En mi caso, también aumenta la ambición, porque mido mi propio pensamiento sobre una marca en función de lo que piensa de ella alguien cuyo trabajo valoro. Esta colisión siempre es estimulante y permite una perspectiva más amplia, en este sentido es un beneficio para todos.

Detalles y matices: ¡todo está ahí! Como en el caso de Arche. Cuando pienso en los proyectos que me gustan, normalmente se trata del avance del concepto: el talento del diseñador combinado con el coraje del fabricante. Se puede ver cuando el proyecto fue un desafío para la tecnología, las máquinas y requirió un gran compromiso durante todo el proceso de producción. A menudo, todo está codificado en este detalle perfectamente ejecutado. Me gusta el proceso de descodificación, de reconocer un concepto que está en la intersección del arte y el diseño o de medirse con algún arquetipo, extrayendo su esencia. Siempre busco eso, como diseñador y como destinatario.

No responderé a esa pregunta porque no me gusta categorizar a la gente. Es un exceso innecesario del mundo corporativo, de las agencias estratégicas y de publicidad. Y yo no creo en ese mundo.

Por encima de todo, quiero hacer cosas que tengan valor, y las relaciones que acompañan a la creación de un producto son de gran importancia en este proceso. Cada objeto es una multitud de elementos con mucha gente detrás. Por eso valoro tanto la relación con las personas con la que trabajo, ya sea en la sede de Tamo o en la fábrica durante la producción. Sin ellos, sin su compromiso y su creencia en el sentido de un determinado producto, sería difícil conseguir una buena calidad. Al fin y al cabo, para todos, el destinatario es lo más importante. Quiero que la vida cotidiana en el espacio material tenga una calidad ligeramente mejor, que la gente tenga el placer de utilizar objetos cotidianos. Lo que realmente aprecio del diseño es que, a diferencia del arte, un producto puede llegar más lejos, puede ser accesible. Pero esto requiere una visión más amplia y no depender únicamente del propio ego y de la propia comprensión del proyecto.

El mundo exterior es sin duda una inspiración directa, porque aunque a veces nos gustaría funcionar aislados de lo que hay detrás de la puerta, es el "exterior" la fuente de motivación y estímulos. También los egoístas. Lo que me nutre lo encuentro en el arte. Me interesa combinar las actividades libres en la creación de arte puro con lo que es el diseño, que debe cumplir con requisitos específicos a los que no se puede escapar. Buscando límites o lugares comunes de intersección del arte y el diseño. Las cosas que hizo Constantin Brancusi me atraen mucho, así como otras tendencias en las que los sólidos y los planos tienen que leerse de formas específicas.

Sí. Con este proyecto tuve total libertad, no había suposiciones del cliente, expectativas ocultas en el trasfondo ni siquiera un briefing. Lo único que oí fue que había que crear una mesa de madera maciza. La falta de restricciones me hizo darme cuenta de que estaba lidiando con un tipo de pensamiento y sensibilidad diferente de un diseñador para un diseñador. Pude romper con los rigores de la producción y centrarme en lo que sentía. Esto desencadenó una ambición que resulta extremadamente estimulante en el trabajo. Como diseñador en una situación así, quiero dar aún más de mí mismo. En Shapes, cada modelo está formado por cuatro formas básicas que se pueden unir de formas muy diferentes, obteniendo así un diseño completamente diferente. Así que empecé a sintetizar algunos de los sólidos, poniéndolos en diferentes relaciones entre sí para poder crear nuevos arreglos. Esta libre operación con las formas hizo que, aparte de la óptima que elegí, se empezara a crear una colección que no tuve en cuenta en la fase de diseño. De esta manera, las variaciones de estos objetos comenzaron a cobrar vida propia, permitiendo algún tipo de personalización. Esto tuvo un gran valor para mí.

Enorme. Arche nació de un arquetipo de sencillez e intransigencia. Estos son los componentes de este proyecto. Quería preservar la naturaleza intransigente de la forma, mantener el arquetipo en su etapa original. Al mismo tiempo, quería que la silla fuera visualmente agradable y animara a la gente a utilizarla. Arche es la máxima sencillez de la silla al tiempo que resalta los detalles que la hacen no ser una simple silla más. Hablamos de detalles que afectan al conjunto y que son los que hacen este proyecto. Sin ellos, se crearía un producto muy crudo e inacabado. El resultado final es algo que roza lo arquetípico, pero que tiene cierta elegancia y delicadeza.

Blop es en cierto modo un efecto secundario, una consecuencia de la buena comunicación con Tamo. Lo importante para mí en la colaboración es que con cada proyecto nos conozcamos cada vez mejor, también a nivel social. Esto debe ir acompañado del placer de comunicarnos, de hablar de trabajo y de más cosas. Así que una vez tuvimos una conversación en la que se decía la frase: "Tengo un buen tornero" y antes de darme cuenta, mis pensamientos y conceptos que tenía en mi cabeza y para los cuales no tenía ningún plan - ni siquiera lo sabía qué eran exactamente, me llevaron a esta percha. En esta cooperación ya no hay que husmear, acechar ni controlar. Es puro flow. Cuando se cruza este punto crítico y el desconocimiento da paso a la apertura, empiezan a surgir cosas aún mejores.

Estamos trabajando en un sillón que será de madera y cuero, materiales tradicionales que remiten a la historia de la artesanía. En el proyecto quiero hacer referencia a la historia del diseño y a las antiguas técnicas artesanales, mirar la historia de la fabricación de muebles y buscar una respuesta contemporánea. Es decir, de nuevo estamos hablando de romper un arquetipo, darle un toque contemporáneo que se entienda hoy. De lo contrario, el resultado sería una copia de un mueble de los años 50 o 60, y eso no es lo que quiero.