Ich betone immer, dass ich viel manuell arbeite und versuche, die Form, die ich im Computer entworfen habe, von Hand zu erhalten.
Ich habe eine eigene Musterwerkstatt, in der ich Prototypen in Styropor, Ersatzmaterial oder im Zielmaterial, z.B. Holz, erstelle.
Für mich ist es die Basis, die das Projekt bereichert. Da ist mir nichts Neues eingefallen, denn im Designprozess war es immer so, dass etwas, was in der Konzeptphase auf einem Blatt Papier entstand, dann in einem physischen Modell getestet wurde. Die Sache ist, dass in der Arbeit eines Designers
es ist heute eine Seltenheit. Der gesamte Prozess wird normalerweise an Produzenten übertragen, die über den richtigen Ort und alle erforderlichen Maschinen und Werkzeuge verfügen. Darin liegt sicherlich eine große Ersparnis, aber für mich als Designer leider auch ein Verlust,
weil manche Dinge ohne diese Phase nicht vorhersehbar und nicht wahrnehmbar sind. Außerhalb des Werkstattraums, der sog Neben dem Dirty Space habe ich auch einen separaten Clean Space, wo ich in einem speziellen Designprogramm arbeite. Wobei man eigentlich überall am Computer arbeiten kann, sogar im Wohnwagen, wie es bei mir vor ein paar Tagen der Fall war.

Ich denke, dass die Konzeptphase von großer Bedeutung ist, weil sie viel Konzentration, Kreativität und Innovation erfordert, obwohl das im Voraus bekannt ist
dass manche Dinge nicht mehr übersprungen werden können. Es ist ein bisschen so, als würde man vor die Decke seines eigenen Kopfes blicken. Anspruchsvoll, aber auch sehr befriedigend. Die Werkstattphase ist mit körperlicher Anstrengung verbunden und erfordert viel mehr Zeit als etwas in einem 3D-Programm zu entwerfen. Sie brauchen Unterstützung, aber auch viel Bereitschaft, diesen Prozess gewinnbringend zu gestalten. Nach einem Tag an den Maschinen fühle ich mich wirklich müde, aber ich spüre auch, dass an diesem Tag etwas passiert ist, und ich genieße es wirklich.

Ich genieße die Möglichkeit, mit Massivholz und anderen wertvollen Materialien zu arbeiten. Es ist eine Marke mit einer sehr kohärenten Vision, sie hat Aufrichtigkeit und Konsistenz mit ihrer eigenen DNA. Dies gilt sowohl für die Auswahl der Rohstoffe als auch für den handwerklichen Teil - den Produktionsumfang, der widersteht
auf Lokalität. Das ist eine sehr romantische Vision für mich. Da ich Tamos Qualitäten kenne, könnte ich getrost eine Zusammenarbeit mit Keji vorschlagen.
Das stärkt immer die Marke und beeinflusst andere Produkte. In meinem Fall steigert es auch meine Ambitionen, weil ich meine eigene Meinung zu einer bestimmten Marke daran messe, was jemand, dessen Arbeit ich schätze, darüber denkt. Dieses Aufeinandertreffen ist immer wieder anregend und ermöglicht einen Blick über den Tellerrand.
In diesem Sinne ist es eine Win-Win-Situation.

Details und Nuancen - es ist da! Wie bei Arche. Wenn ich an Projekte denke, die mir gefallen, geht es meistens darum
über das fortschrittliche Konzept - das Talent des Designers in Kombination mit dem Mut des Herstellers. Man merkt, wann das Projekt eine Herausforderung an Technik, Maschinen war und viel Engagement während des gesamten Produktionsprozesses erforderte. Oft ist in diesem makellos gemachten Detail alles verschlüsselt. Ich mag den Prozess der Dekodierung, das Erkennen eines Konzepts, das an Kunst grenzt
und Design oder wird an einigen Archetypen gemessen, extrahiert seine Essenz. Das ist es, wonach ich immer suche, sowohl als Designer als auch als Empfänger.

Ich werde diese Frage nicht beantworten, weil ich es nicht mag, Menschen zu kategorisieren. Es ist ein unnötiger Überschuss der Unternehmenswelt, strategischer Agenturen
und Werbung. Und ich glaube nicht an diese Welt.

Ich möchte vor allem Dinge tun, die einen Wert haben, und die Beziehungen, die die Entwicklung des Produkts begleiten, sind in diesem Prozess von großer Bedeutung. Jedes Objekt ist eine Vielzahl von Elementen, hinter denen viele Menschen stehen. Deshalb schätze ich Beziehungen zu Menschen so sehr
mit wem ich zusammenarbeite – ob in der Tamo-Zentrale oder in der Produktionsstätte. Ohne sie, ohne ihr Engagement und ihren Glauben an den Sinn eines bestimmten Produkts wäre es schwierig, gute Qualität zu erhalten. Letztendlich ist der Empfänger das Wichtigste für alle. Ich kümmere mich um den Alltag
im materiellen Bereich hatte es eine etwas bessere Qualität, so dass eine Person das Vergnügen haben würde, Alltagsgegenstände zu verwenden. Was ich am Design wirklich schätze, ist, dass ein Produkt im Gegensatz zur Kunst eine breitere Reichweite haben kann, es kann zugänglich sein. Aber das erfordert einen Blick über den Tellerrand und sich nicht nur auf das eigene Ego und das eigene Verständnis des Projekts zu verlassen. Kunden kommen in Ihr Geschäft.

Sicherlich ist die direkte Inspiration die Außenwelt, denn manchmal möchte man isoliert von dem funktionieren, was ist
hinter der tür ist das „draußen“ die quelle der motivation und reize. Auch die Egoisten. Was mich nährt, finde ich in der Kunst. Ich interessiere mich für die Kombination freier Aktivitäten als Teil der Schaffung von reiner Kunst mit dem, was Design ist, das bestimmte Anforderungen erfüllen muss, denen man sich nicht entziehen kann. Auf der Suche nach Grenzen oder gemeinsamen Schnittpunkten von Kunst und Design.
Die Dinge, die Constantin Brancusi gemacht hat, sowie andere Trends, bei denen Körper und Flächen gelesen werden müssen, sprechen mich sehr an.
in gewisser Weise.

Ja. Bei diesem Projekt hatte ich volle Freiheit, es gab keine Kundenannahmen, versteckte Erwartungen im Hintergrund oder gar ein Briefing.
Ich habe nur gehört, dass ein Massivholztisch gebaut werden soll. Das Fehlen von Einschränkungen ließ mich erkennen, dass ich es mit einer anderen Art des Denkens und der Sensibilität eines Designers für einen Designer zu tun hatte. Ich konnte mich von der Strenge der Produktion lösen und mich auf das konzentrieren, was ich fühlte.
Das hat ambitionierte Impulse ausgelöst, die für die Arbeit äußerst anregend sind. Als Designer möchte ich in einer solchen Situation noch mehr von mir geben.
In Shapes besteht jedes Modell aus vier Grundkörpern, die auf sehr unterschiedliche Weise zusammengesetzt werden können und so ein völlig anderes Design erhalten. Also fing ich an, einige Festkörper zu synthetisieren, sie in verschiedene Beziehungen zueinander zu bringen, damit neue Systeme entstehen würden. Dieser freie Umgang mit Formen hat dazu geführt, dass neben einer optimalen, die ich ausgewählt habe, eine ganze Kollektion entstanden ist, die ich in der Entwurfsphase nicht berücksichtigt habe. Auf diese Weise begannen Variationen dieser Objekte, ihr eigenes Leben zu führen, was auch eine gewisse Anpassung ermöglichte. Es war von großem Wert für mich. .

Äußerst. Arche wurde aus dem Archetyp der Einfachheit und kompromisslosen Natur geschaffen. Dies sind die Bestandteile dieses Projekts. Ich wollte die Kompromisslosigkeit der Form beibehalten, um den Archetyp in seinem ursprünglichen Zustand zu erhalten. Gleichzeitig wollte ich, dass der Stuhl optisch ansprechend ist und die Menschen dazu ermutigt, ihn zu benutzen. Arche ist die maximale Einfachheit des Stuhls, während er die Details hervorhebt,
die es nicht nur zu einem weiteren einfachen Stuhl machen. Wir sprechen von Nuancen, die das Ganze beeinflussen und die dieses Projekt ausmachen.
Ohne sie würde ein sehr rohes und unbehauenes Produkt entstehen. Das letzte ist etwas am Rande eines Archetyps, aber es hat eine gewisse Qualität
Eleganz und Sanftmut..

Blop ist eine Art Nebeneffekt, ein Splitter guter Kommunikation mit Tamo. In der Zusammenarbeit ist es mir wichtig, dass wir uns mit jedem Projekt besser kennenlernen, auch auf sozialer Ebene. Es muss von der Freude begleitet werden, miteinander zu kommunizieren und über die Arbeit zu sprechen
und nicht nur. So hatten wir mal ein Gespräch, in dem der Satz gesagt wurde: „Ich habe einen guten Dreher“ und bevor ich meine Gedanken zurückblickte
und Konzepte, die ich im Kopf hatte und die ich nicht geplant hatte - ich wusste nicht einmal, was genau sie waren - führten mich zu diesem Kleiderbügel. In dieser Zusammenarbeit gibt es kein Schnüffeln, Lauern, Kontrollieren mehr. Es ist einfach purer Flow.
Wenn dieser Wendepunkt überschritten ist und das Unbekannte der Offenheit weicht, beginnen noch bessere Dinge zu entstehen.

Wir arbeiten an einem Sessel, der aus Holz und Leder bestehen wird, also traditionellen Materialien, die auf die Geschichte des Handwerks verweisen.
Ich möchte in dem Projekt auf die Designgeschichte und alte Handwerkstechniken verweisen, auf die Möbelgeschichte blicken und nach einer zeitgemäßen Antwort suchen. Wir sprechen also noch einmal davon, einen Archetyp zu brechen und ihm einen zeitgenössischen Charakter zu geben, der heute verstanden wird. Sonst wäre es eine Kopie eines Möbelstücks aus den 1950er oder 1960er Jahren, was ich überhaupt nicht wollte.