J'insiste toujours sur le fait que je travaille beaucoup manuellement, en essayant manuellement d'obtenir le formulaire que j'ai conçu sur l'ordinateur. J'ai mon propre atelier de modelage où je crée des prototypes en polystyrène, en matériau de substitution ou en matériau cible, par exemple le bois. Pour moi, c'est la base qui enrichit le projet. Je n'ai rien trouvé de nouveau ici, car dans le processus de conception, quelque chose qui avait été créé lors de la phase conceptuelle sur un morceau de papier était ensuite testé dans un modèle physique. Le fait est que c'est une rareté dans le travail d'un designer aujourd'hui. L'ensemble du processus est le plus souvent transféré à des producteurs qui disposent de l'espace approprié et de toutes les machines et outils nécessaires. Il y a certainement beaucoup d'économies là-dedans, mais malheureusement pour moi en tant que designer, c'est aussi une perte,
car certaines choses ne peuvent être prédites et remarquées sans cette étape. En dehors de l'espace de l'atelier, ce qu'on appelle espace sale, j'ai également un espace propre séparé où je travaille dans un programme de conception spécifique. Même si en fait, travailler sur ordinateur peut se faire n'importe où, même dans une caravane, comme ce fut le cas pour moi il y a quelques jours.

Je pense que la phase conceptuelle est d'une grande importance car elle demande beaucoup de concentration, de créativité et d'innovation, même si l'on sait d'avance que certaines choses ne peuvent être ignorées. C'est comme faire face au plafond de sa propre tête. Exigeant, mais aussi très satisfaisant. L'étape de l'atelier implique un effort physique et nécessite beaucoup plus de temps que la conception de quelque chose dans un programme 3D. Il faut du bagage, mais aussi beaucoup de volonté pour rentabiliser ce processus. Après une journée entière passée à travailler sur des machines, je me sens vraiment fatiguée, mais j'ai aussi l'impression qu'il s'est passé quelque chose ce jour-là et cela me fait un vrai plaisir.

J'apprécie certainement l'opportunité de travailler le bois massif et d'autres matières premières nobles. C'est une marque avec une vision très cohérente, sincère et en phase avec son propre ADN. Cela s'applique à la fois à la sélection des matières premières et à la partie artisanale - l'échelle de production, qui est basée sur la localité. C'est une vision très romantique pour moi. Connaissant les qualités de Tamo, je pouvais en toute confiance proposer une coopération avec Keji.
Cela renforce toujours la marque et influence les autres produits. Dans mon cas, cela augmente également mon ambition, car je mesure ma propre réflexion sur une marque donnée avec ce qu'en pense quelqu'un dont j'apprécie le travail. Cette collision est toujours stimulante et permet d’ouvrir une perspective plus large.
En ce sens, c’est gagnant-gagnant pour tout le monde.

Détails et nuances, c'est là ! Tout comme avec Arche. Quand je pense aux projets que j'aime, il s'agit généralement de l'avancement du concept : le talent du designer combiné au courage du fabricant. Vous pouvez voir à quel moment le projet représentait un défi pour la technologie, les machines et nécessitait un grand engagement tout au long du processus de production. Souvent, tout est codé dans ce détail parfaitement exécuté. J'aime le processus de décodage, reconnaître un concept qui se situe à la frontière entre l'art et le design ou mesuré par certains archétypes, en extraire son essence. Je suis toujours à la recherche de cela, à la fois en tant que designer et destinataire.

Je ne répondrai pas à cette question car je n'aime pas catégoriser les gens. Il s’agit d’un excédent inutile du monde des entreprises, des agences stratégiques et de publicité. Et je ne crois pas en ce monde.

Je veux avant tout faire des choses qui ont de la valeur, et les relations qui accompagnent la création d'un produit sont d'une grande importance dans ce processus. Chaque objet est une multitude d’éléments derrière lesquels se tiennent de nombreuses personnes. C'est pourquoi j'apprécie tant la relation avec les personnes avec qui je travaille - que ce soit au siège de Tamo ou dans la production en usine. Sans eux, sans leur engagement et leur croyance dans le sens d'un produit spécifique, il serait difficile d'obtenir une bonne qualité. En fin de compte, pour chacun, le destinataire est la chose la plus importante. Je souhaite que la vie quotidienne dans l'espace matériel soit d'une qualité légèrement meilleure, que les gens aient le plaisir d'utiliser les objets du quotidien. Ce que j’apprécie vraiment dans le design, c’est que, contrairement à l’art, un produit peut toucher un public plus large et être disponible. Mais cela nécessite une vision plus large, et ne pas compter uniquement sur votre propre ego et votre propre compréhension du projet d'amener les clients dans votre magasin.

Le monde extérieur est certainement une inspiration directe, car même si nous aimerions parfois fonctionner indépendamment de ce qui se trouve derrière la porte, c'est « l'extérieur » qui est la source de motivation et de stimuli. Et aussi les égoïstes. Je trouve ce qui me nourrit dans l'art. Je souhaite combiner les activités libres de création d'art pur avec ce qu'est le design, qui doit répondre à des exigences spécifiques auxquelles on ne peut échapper. À la recherche de frontières ou de lieux communs de croisement de l’art et du design. Les choses qu'a faites Constantin Brancusi, ainsi que d'autres tendances où les solides et les plans doivent être lus, m'attirent beaucoup.
d'une certaine manière.

Oui. J'avais une totale liberté sur ce projet, il n'y avait aucune hypothèse du client, aucune attente cachée en arrière-plan ou même un brief. J'ai seulement entendu dire qu'une table serait en bois massif. L’absence de limites m’a fait réaliser que j’avais affaire à un type de pensée et de sensibilité différent d’un designer à l’autre. J'ai pu rompre avec les rigueurs de la production et me concentrer sur ce que je ressentais.
Cela a déclenché des impulsions ambitieuses extrêmement stimulantes au travail. En tant que designer, dans une telle situation, j'ai envie de donner encore plus de moi-même. Dans Shapes, chaque modèle est composé de quatre formes de base qui peuvent être assemblées de manières très différentes, obtenant ainsi un design complètement différent. J'ai donc commencé à synthétiser certains solides et à les introduire dans différentes relations les uns avec les autres pour créer de nouveaux arrangements. Ce travail libre avec les formes a fait qu'en dehors de la forme optimale que j'ai choisie, toute une collection a commencé à être créée, dont je n'ai pas tenu compte au stade de la conception. De cette manière, les variations de ces objets ont commencé à prendre leur propre vie, permettant un certain type de personnalisation. Cela a été d'une grande valeur pour moi. .

Extrêmement. Arche a été créée à partir de l’archétype de la simplicité et de l’intransigeance. Ce sont les composantes de ce projet. Je voulais conserver le caractère intransigeant de la forme et conserver l'archétype dans son stade d'origine. En même temps, je voulais que la chaise soit visuellement agréable et encourage les gens à l'utiliser. Arche représente la simplicité maximale de la chaise tout en faisant ressortir les détails qui en font une simple chaise. Nous parlons de nuances qui affectent l’ensemble et c’est ce qui fait ce projet. Sans eux, un produit très brut et inachevé serait créé. Le dernier est quelque chose qui frise l'archétype, mais il a une certaine élégance et douceur.

Le blop est, en un sens, un effet secondaire, une conséquence d’une bonne communication avec Tamo. En coopération, il est important pour moi de mieux se connaître à chaque projet, également sur le plan social. Cela doit s'accompagner du plaisir d'interagir les uns avec les autres, de parler du travail et bien plus encore. Ainsi, nous avons eu une fois une conversation au cours de laquelle la phrase "J'ai un bon tourneur" a été prononcée et avant que je m'en rende compte, mes pensées ont changé.
et les concepts que j'avais en tête et pour lesquels je n'avais aucun plan - je ne savais même pas de quoi il s'agissait exactement, m'ont conduit à ce cintre. Dans cette coopération, il n’y a plus de reniflage, de cachette, de contrôle. C'est juste du pur flux. Une fois ce point critique franchi et la méconnaissance cède la place à l’ouverture, des choses encore meilleures commencent à émerger.

Nous travaillons sur un fauteuil qui sera réalisé en bois et cuir, c'est-à-dire des matériaux traditionnels qui font référence à l'histoire de l'artisanat. Dans ce projet, je veux faire référence à l'histoire du design et aux techniques artisanales anciennes, regarder l'histoire du meuble et chercher une réponse contemporaine. Il s’agit donc là encore de briser un archétype, de lui donner un caractère contemporain qui sera compris aujourd’hui. Sinon, ce serait une copie d'un meuble des années 50 ou 60, et ce n'est pas du tout ce que je souhaitais.