En céramique, je découvre avant tout l'équilibre et l'harmonie avec la nature. Pour moi, c'est un retour aux racines artistiques anciennes, une expérience de l'artisanat traditionnel, un pont entre des milliers d'années d'histoire.

Le processus créatif, dans lequel le principal matériau de construction est l'argile, repose sur l'interpénétration et l'apprivoisement de trois éléments : l'eau, le feu et l'air. Vous ne pouvez prendre aucun raccourci ici, vous ne pouvez rien accélérer. Chaque étape ultérieure doit être un tout achevé.

Lorsque j'ai visité un musée archéologique dans une ville balnéaire croate, j'ai vu des amphores originales qui m'ont fait une impression stupéfiante. J'ai ressenti une connexion intérieure avec eux. Bien que cela soit difficile à expliquer logiquement, à partir de ce moment-là, j’ai simplement su que j’allais créer des vases.

Diplômée de l'Académie des Beaux-Arts, passionnée d'art depuis l'enfance, j'ai essayé diverses techniques artistiques, mais aucune d'entre elles ne m'appartenait complètement.

Seul le travail avec l'argile m'a donné de la place pour des activités créatives complètement nouvelles. J'ai ressenti toutes les possibilités de l'expression artistique. La céramique m'a tellement fasciné que grâce à elle j'ai trouvé un nouveau mode de vie.

Chacun de ces trois lieux est très important pour moi, il me définit en tant que personne. Chaque jour, je suis énergique et multitâche, je vis la vie très vite.

Le studio est mon refuge, un lieu de silence et de réflexion qui me permet de ralentir. Lorsque je franchis son seuil, j'ai l'impression de me couper du monde, de laisser la journée derrière moi. J’entre dans un état de concentration totale sur l’art. J'allume la musique, j'allume les bougies, j'ouvre le sac d'argile. Je commence à réfléchir à ce que je veux créer, à mon expérience et à mes émotions et à la manière dont je vais les traduire en forme.

Je travaille à mon rythme, individuel. Je me concentre sur le processus, qui a pour moi un pouvoir de guérison. Je crois à l'énergie qui circule et pénètre, je crois au bien qui revient. En tant qu'artiste, je donne cette énergie et cette paix intérieure à mes œuvres. J'espère que le public le ressentira.

Au tout début de mon aventure avec la terre battue, je me suis essayé à différents formats. Je l'ai roulé sur une roue et j'ai expérimenté le processus. J’en suis arrivé au point où les émotions et l’écoute de moi-même, la capacité à gérer mon énergie intérieure, prirent le pas sur le processus créatif.

J'ai commencé à les fabriquer à la main, en utilisant la méthode ancienne du rouleau. Je travaille intuitivement, je libère de l'énergie et je laisse les choses arriver.

Mes vases ont une forme biomorphique, non précisée. Bien sûr, cela me pousse souvent à me battre avec les lois de la physique. En fin de compte, j'obtiens cependant la stabilité requise, même si visuellement les objets qui sortent de mes mains se balancent sur le bord. C'est une déclaration étrange, mais j'ai toujours le sentiment intérieur que quelque chose de beau et d'original va sortir de cette forme indéfinie, de cet inconnu.

Bien sûr, je pourrais créer quelque chose d’évident dans la forme, mais je cultive mon imagination. Même si chaque vase est unique et différent, j’y vois une certaine cohérence et cohérence. Même si ce qui les relie est difficile à exprimer avec des mots.

Je regarde chaque vase séparément et lui donne les émotions que je ressens ce jour-là. C'est pourquoi je dis de mes œuvres qu'elles sont des solistes de l'espace. Chaque vase porte une histoire différente, la construisant à sa manière, individuelle et unique. C'est le résultat d'une compréhension abstraite de la forme et d'un grand respect pour la matière et le processus, ainsi que pour mes émotions.

J’ai l’impression de construire de plus en plus audacieusement un pont entre l’art et l’utile. J'essaie de combiner ces deux mondes, pas nécessairement comme un compromis. Je veux qu’ils coopèrent les uns avec les autres et entrent en symbiose.

Je construis moi-même un dialogue entre les récepteurs responsables de l'expression artistique et la nécessité de placer l'objet dans une fonction fonctionnelle, qui est en fait son rôle premier.

Chaque vase de la collection Otoczaki est le résultat d'un processus intuitif : il est unique, unique en son genre. Dans mes œuvres, j'utilise des matériaux de construction issus de la nature, de la terre. Argile, engobe, chamotte, couleurs subtiles et tamisées, forme brute et poreuse, tout cela est un clin d'œil à mère nature.

La marque TAMO Meble a une philosophie similaire. Vous travaillez sur la base de l'artisanat traditionnel de la menuiserie. Votre meuble a besoin d'un certain temps pour être créé. Il ne s’agit pas d’une production à la chaîne qui publie des modèles clonés ultérieurs. Même si vous travaillez sur la base d'un design, vous abordez chaque meuble avec le plus grand soin. C'est quelque chose qui nous unit.

Nous connaissons également les références balnéaires. TAMO fait souvent référence au modernisme et au design minimaliste de Gdynia. La collection Otoczaki rend hommage à la simplicité et aux forces de la nature fortement associées à l'eau.

Mon chemin pour trouver une forme artistique qui me stimulerait constamment et me motiverait à un travail créatif régulier et continu a été assez long et non évident. Aujourd'hui, je peux dire que je ne veux pas m'effondrer. Le modelage en terre battue me procure beaucoup de plaisir, j'ai l'impression de m'exprimer artistiquement, pour l'instant je ne regarde pas les autres chantiers. Mon objectif est de me développer davantage dans ce domaine de l’artisanat naturel. Actuellement, je me sens comme un artiste en route, sur un chemin. Je cherche, j'expérimente, je cherche. Il y a un dicton qui dit que le loup au sommet n'a pas aussi faim que le loup qui grimpe. Je pense que cela reflète mon état d'esprit actuel.

J'aimerais arriver au point où je me dis "Oui, j'ai créé un vase modèle. Forme finie, interprétation à plusieurs niveaux. Ce sera pour moi l’expérience la plus agréable et la plus nourrissante.